À la recherche - II

Bezeichnend für die europäische Kunst - ich möchte nicht auf jede einzelne Phase bis ins letzte Detail eingehen - ist diese gewisse Annäherung an eine Natur, die den Gott in sich zu bergen vermag. Im Impressionismus wurde sie erreicht. Denken wir nur an das Bild, das vielleicht die vollkommenste Form des Impressionismus darstellt: es ist weder besonders farbenprächtig noch übermäßig ans Herz greifend, es ist einfach das Bild eines Seerosenteiches - ein Gemälde von Monet. Von Anfang an wollte Monet es so malen, als würde man den Teich von seiner Mitte aus betrachten - das heißt, es war nicht als flaches Bild geplant, sondern für einen kreisförmigen Saal, in dessen Mitte der Betrachter sitzt und ringsum, auf allen Seiten, auf den Teich blicken kann. Dieser Teich überflutet den Raum, und man nimmt darin einen Tautropfen auf einer Seerose wahr. Und das innere Leuchten, das daraus erstrahlt, das ist ungefähr der Punkt, an dem wir diese konvergente Bewegung erhaschen können. Das ist der kurze Augenblick der Konvergenz, durch den der Strahl, wie durch eine Linse hindurch, geradeaus weiterläuft. Und das darin verborgene Bild, das bereits bewirkt hat, dass der Blick alles andere ausschließt und sich in diesem einen Punkt realisiert, wird durch diesen Lichtstrahl zergliedert, der dem Einfallwinkel entsprechend weiterläuft und einzelne Elemente herausgreift. Weiter kann man in der Annäherung an eine naturalistische Sichtweise kaum gehen.

Deshalb also greift der Künstler eine Teilansicht heraus und baut das Ganze darauf auf. Das ist eine fragmentarische Kunst. Eine solche fragmentarische Kunstrichtung ist beispielsweise der Konstruktivismus; ist doch die Konstruktion nicht als Selbstzweck, aber in der Annäherung zwischen Gottesbegriff und Natur, auch in einem Rembrandt-Bild verborgen. Ich glaube, man kann kaum etwas Konstruktiveres machen als das. Wieder greift der Strahl die Konstruktion heraus und baut daraus einen selbständigen Gott. In der Malerei Mondrians gibt es eine, ich glaube, fünfteilige Bildreihe. Das erste Bild stellt einen Baum dar. Dann, in den folgenden Bildern, wird der Baum immer weiter abstrahiert, bis schließlich nur noch Quadrate zu erkennen sind. Das Bild ist sehr aufschlussreich. Die abstrakte Kunst nämlich, die von sich behauptet, autonom zu sein, ist ja in der Vorstellung des Künstlers noch gegenständlich. Ist es doch das konkrete Bild eines Baumes, aus dem dieses reizvolle, rhythmisch schöne mondrian'sche Würfelsystem entstanden ist.

Ein solcher Gedankengang läuft auch im Fall des besagten Lichtstrahls ab: in diesem kurzen Augenblick, wenn auf diesem einzelnen Tautropfen auf dem Rosenblatt die im Verlauf der Geschichte konvergent gewordenen Bestrebungen nach dem Gottesbild und dem realen Bild zusammentreffen, zerfällt die Naturgottheit. Sie zerfällt in Pointillismus, wenn das herausgreifende Licht nicht die Struktur, sondern die Farbe hervorhebt. Seurat zufolge sind die Farben der Gemälde deshalb nicht intensiv genug, weil sie gemischt sind. Deshalb trägt er die zum Mischen bestimmten Farben in ihrer ursprünglichen Reinheit in einzelnen Tupfern auf. Er löst also die Farben des Bildes auf und setzt klare Farbtupfer nebeneinander. Man muss etwas zurücktreten, und schon nimmt das Bild klare Formen an und tritt aus dem Nebel hervor. Nun, das ist die gegenständliche Malerei im Stil Seurats. Besonders an eines seiner Bilder erinnere ich mich jetzt, ein Flussufer, es war ein ebenso konventionelles Bild wie die übrigen, nur aus Pünktchen bestehend.